Proëlla

Chez Erwann Rougé, la mer n’est jamais loin. Cette fois, c’est sur l’île d’Ouessant qu’il la retrouve. Un rite religieux, jadis en vigueur là-bas, donne son titre à cet ensemble de poèmes. Sur ce bout de terre battu par les vents, « le corps du marin disparu en mer est symbolisé par des petites croix de cire (proëlla) veillées au domicile du défunt, ensuite portées à l’église et transférées au cimetière ».

« sur un linge blanc
une croix de cire
veille sur le va-et-vient des morts et des vivants. »

Une longue nuit débute. Elle va s’étirer du dimanche soir au lundi matin. En mer, un homme ballotté par le ressac, sent la force de l’eau le tirer vers les bas-fonds. Bientôt, il ne sentira plus rien. Ses os, ses tendons, ses muscles, ses vertèbres ne seront plus reliés à son cerveau. Il vit ses derniers instants. Revoit défiler des morceaux de vie, des bribes de paroles, des décors ébréchés. Pendant ce temps, à terre, l’angoisse monte crescendo. Toutes les disparitions se ressemblent. Quelqu’un attend des nouvelles qui ne viendront plus. Ou qui seront portées par un messager qui annoncera l’irréparable.

« ils ont frappé à la porte avant l’aube
tant abîmé les mots. »

Dans bien des endroits du monde, personne ne vient frapper aux portes. L’angoisse s’empare tout aussi durement des proches qui savent évidemment que leur disparu, qui était peut-être l’un des innombrables qui, après avoir traversé le désert, étaient partis s’embarquer à Sabratha ou ailleurs, gît maintenant au fond de la Méditerranée, entre la Libye et la Sicile. Lui, elle, tout ceux dont les corps jonchent cet immense cimetière marin n’auront de « proëlla » que celle qui leur est ici dédiée par Erwann Rougé.

« deux chaussures deux morceaux de pain
rien d’autre ont dit les passeurs.
on ne comptera pas.

il faut juste couler le jour
dans l’après des jours

chacun avec sa salive
mettre à l’usure la prière folle. »

Chants et contre-chants ponctuent les heures d’une nuit fragile, à la fois marine et terrestre, éclairée par des éclats de poèmes brefs et incisifs qui incitent à garder en soi le souvenir de ceux qui reposent sous l’écume, sans nom, sans sépulture, sans linceul.

« au large les morts ne sont nulle part. »

 Erwann Rougé : Proëlla, éditions Isabelle Sauvage.

La nuit féroce

Promenadia, village perdu des Asturies, novembre 1936. Homero, le maître d’école, n’est pas originaire du lieu, ce qui ne peut que susciter de l’hostilité au sein de cette communauté où l’on apprécie peu les étrangers. Il vit chichement et mange chaque jour dans une famille différente. Ceci explique le surnom, peu enviable, de « pique-au-pot » qui lui a été attribué. L’homme qui le reçoit à sa table ce soir-là est un paysan rustre, père d’un fils idiot, d’une grande fille enceinte et d’un autre fils plutôt rêveur. La fin du repas et le retour à l’école marquent le début d’une nuit qui ne ressemblera à nulle autre. Le meurtre d’une fillette, qui a été violée et dont le corps a ensuite été jeté dans un puits, est venu fracasser l’apparente tranquillité du village. La colère est palpable. Une chasse à l’homme a d’ores et déjà débuté. L’instituteur va rencontrer en quelques heures, sans le vouloir, et à tour de rôle, tous les protagonistes du drame qui est en train de se jouer.

« Quand il ouvre la porte, le vent se faufile jusqu’au dernier recoin de la maison. C’est un vent venu du cœur même de la montagne ; un vent si atroce qu’il est impossible de ne pas penser à la mort.
C’est alors qu’il les voit.
Accroupis près des balançoires, sous une couverture, il y a deux corps tremblants. »

Ce sont ceux de deux hommes apeurés qui tentent d’échapper à la battue en cours. Ils sont itinérants. Ils cherchent du travail et viennent de se faire traiter d’assassins par une vieille qui ne manquera pas de signaler leur présence aux chasseurs qui tirent sur tout ce qui bouge. Les aboiements des chiens et les coups de fusil résonnent alentour. La traque est menée par un curé fou furieux, le père Aguirre, qui jouit d’une grande influence et qui a embarqué avec lui deux sbires capables du pire.

« Le père Aguirre aspire avec force, crache un brin de tabac et s’enfonce son chapeau jusqu’aux oreilles. Il ne porte pas son habit. Il a une croix de Calatrava tatouée sur la main droite et une petite médaille d’argent avec la légende Tempus fugit sur la poitrine. Son nez fait penser à un bec d’aigle ; ses yeux à deux petits poignards. »

Le curé harangue la meute. Hommes et chiens obéissent à ses ordres. Et suivent, dans la neige qui commence à recouvrir la terre, les traces des deux fugitifs qui n’ont aucune chance de s’en sortir. Ce qui les attend dépasse l’entendement. Ils devront payer pour un crime qui ne peut rester impuni. Épuisés, ils se retrouvent bientôt cernés et livrés au féroce ecclésiastique. Qui dicte la sentence et décide de son exécution immédiate. Homero, qui a suivi les évènements à distance, se sachant aussi lâche que les autres, incapable de stopper cette folie meurtrière, n’arrive sur les lieux que plus tard.

« Les hommes pendent comme des draps noirs. Ils portent tous les deux des capuchons de pénitents. Le vent les balance de côté, comme s’ils leur mordait les genoux. Bleuis de sueur, les chiens se disputent leurs chaussures. »

C’est cette terrible histoire, ce conte cruel, qui a lieu sur fond de guerre civile, que déroule, en séquences brèves, Ricardo Menéndez Salmón. Il procède de manière implacable, en une écriture fulgurante. Il dresse le décor, souligne l’atmosphère ambiante et brosse le portrait de ces différents personnages en maintenant une tension communicative. Un mal qui semble venir de loin et traverser les époques en contaminant les hommes guide ces justiciers qui exécutent sans vergogne.

« L’homme lance des ponts, domestique des forêts ou résout des problèmes mathématiques posés voilà des centaines d’années, mais tout son génie, toute sa patience et toute sa ferveur pâlissent devant l’énigme de sa méchanceté. »

 

 Ricardo Menéndez Salmón : La nuit féroce, traduit de l’espagnol par Jean-Marie Saint-Lu, éditions Do.

 

L'exercice de la disparition

Il est des livres dont on sort chamboulé. À ne pas savoir comment dire l’émotion ressentie en lecture. On sait d’emblée que l’auteur est descendu jusqu’au fond du puits qu’il avait lui-même creusé. Qu’il s’est agrippé à une corde invisible, qu’il est parvenu à remonter et à recoller les morceaux. Que les blessures sont toujours apparentes. Et qu’il a marché en aveugle sur le fil d’un équilibre devenu précaire à force d’addictions.

« Je me souviens l’avoir risqué tant de fois cette vie, à brutaliser mon corps, à organiser sa destruction, à lutter contre la douleur, à aimer fièrement l’insensibilité physique et morale. »

C’est en partie de cela qu’il est question dans L’exercice de la disparition. Mais pas seulement, puisque ce livre, construit en deux volets, l’un en prose (écriture blanche sur fond noir) et l’autre, constitué d’une suite de poèmes (imprimés en noir sur blanc), est la preuve indubitable d’une présence au monde. Celle d’un homme qui revient de loin mais qui ne peut occulter les épreuves qu’il a vécues.

« Pour la gueule d’homme que j’étais, c’était la faiblesse sensible de ma glotte idiomatique que je voulais offenser, traverser à l’aide de l’acier chaud du poison alcoolique. Pour en arriver à l’épave glauque du corps, considéré absurde par son vide constitué, absurde pour sa forme et ses fonctions tant arbitraires, et si peu imaginatives dans leur évolution. »

Pas de plaintes en ces pages. Pas de faux-fuyants, pas d’auto-flagellations excessives. Mais une sincérité sans failles pour tenter de cerner les contours d’une période douloureuse. Ce retour sur soi, sur ses tourments, sur ses peurs, sur ses culpabilités est exigeant et pointilleux. Il montre ce qu’il advient de celui qui, à un moment donné, se fissure au point d’en perdre sa langue, son élocution et la maîtrise de son corps.

« Tu marches
Tu regardes
Partout regarde
Des choses vues
Obstruent tu marches
Tu regardes
Lianes
Étreignant
Étouffent
Choses s’organisent pas
Pas possible de décrire
Faut dire que dans la
Vie tout dégringole dans tous les sens »

Le mot « disparition » est à prendre avec précaution. On peut simplement ne plus paraître. C’est cette possibilité, discrète et sous-jacente, qui semble prévaloir au fil des poèmes qui se succèdent dans la seconde partie du livre. L’environnement immédiat (l’appartement, la ville, la banlieue) et la remémoration de lieux plus lointains (sentiers, littoral, canal, espace minéral) peuvent aspirer l’être et le rendre invisible tout en le gardant en vie.

« C’est aux frontières et aux jointures qu’apparaissent toujours de nouveaux mondes, déroutés. »

L’exercice de la disparition pose des questions essentielles, qui ont à voir avec la complexité de la psyché humaine et l’insoupçonnée capacité de résistance qui parvient (pas toujours, hélas) à s’enclencher quand il y a risque imminent de grand basculement.

  Mathieu Brosseau : L’exercice de la disparition, dessins de Ena Lindenbaur, Le Castor Astral.

Trencadis

Bien plus qu’une incursion dans la vie d’une artiste célèbre, Trencadis est un roman éclaté et judicieusement architecturé qui évoque la vie et l’œuvre de Niki de Saint Phalle. Parcours atypique s’il en est. On le sait surprenant, inventif, unique mais ce que l’on connaît moins ce sont les années d’avant la création. Cette lente maturation qui travaille en dedans, qui se nourrit parfois de sales coups du sort. Et ici, le jeteur de sort s’appelle André de Saint Phalle.

« On n’aime pas quand on est une fille voir son père sauter tout le monde ».

Un jour, la déflagration est brutale, son corps en lambeaux, sa tête fendillée. Elle a onze ans et son père vient de la violer. Elle mettra des années avant d’en parler tant le traumatisme est profond. Elle se mariera à dix-huit ans avec le futur écrivain Harry Matthews. Aura deux enfants. Deviendra mannequin. Mais le choc mémoriel est toujours là. Elle tentera de l’effacer en s’effaçant elle-même. Suivront dépressions, tentative de suicide, hospitalisation, séances d’électrochocs.

« Quand Harry dit Mon diplôme de Harvard en musicologie je me le mets au cul, je veux devenir écrivain, Niki applaudit des deux mains. Et quand Niki dit Rien à foutre du mannequinat ou de ce rôle au cinéma qu’on me propose, je voulais devenir actrice, je ne veux plus, Harry acquiesce. Mais quoi alors ? Eh bien ça lui dévoilant ici ce qui l’a aidée à tenir pendant ces premières semaines d’internement, (…), lui montrant, timide un peu, ces assemblages conçus dans un état second qui, elle le pressent, ne doit rien aux médicaments, ces collages dont elle a l’impression qu’ils sont devenus son unique raccord à la vie : sa cure, son salut. »

« De cela Niki ne s’en cachera jamais : J’ai commencé à peindre chez les fous. »

C’est le déclic. La sortie désordonnée et impérieuse de tout ce qui est enfoui. Une façon énergique de recoller les morceaux, de passer de la dislocation à la reconstruction. Elle part. Laisse sa famille. Abandonne ses enfants. Ne se pardonnera jamais. Tentera souvent (et peut-être même toujours) de compenser cet abandon « de la chair de sa chair » en multipliant les cadeaux, les visites inopinées, les clins d’œil affectifs, y compris dans ses réalisations artistiques à venir.

« Elle s’est installée à Paris, rue Alfred-Durant Claye, seule. Elle s’est arrachée un bras. Crevé l’œil. Coupé le nez. Harry, Laura, Philip. Elle les a laissés derrière elle : automutilation. Mais c’est son choix. L’art a pris la consistance d’une divinité à laquelle il faut faire ses offrandes, ce sont les siennes.
Depuis son arrivée dans la capitale, chaque matin la ramène à l’impasse Ronsin située à quelques pas de son appartement. »

C’est impasse Ronsin qu’elle rencontre ceux et celles qui lui ressemblent. À commencer par Jean Tinguely. Qu’elle ne quittera plus. Et qui deviendra, en 1971, son second mari. C’est là qu’elle commence à s’exprimer totalement. À expulser la violence qui l’agite et à en adoucir les angles. Il est bon que ça ondule, qu’il y ait des courbes, des rondeurs. Mais il faut d’abord que ça explose. Elle tire à la carabine sur des poches de peinture installées sur ses tableaux. Ceux-ci se mettent à saigner et à pleurer en couleurs. Elle répète ces performances. elles ont lieu en présence d’autres artistes très proches, tels Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Martial Raysse, Daniel Spoeri, Jean Tinguely. Ces Tirs marquent le début de sa célébrité.

« Aux médias qui lui demandent de s’expliquer, elle répond : Impasse Ronsin, 26 février 1961, sept tirs : J’ai tiré sur papa, sur tous les hommes, les petits, les grands, les importants, gros, les hommes ».

La suite est plus connue. Ce seront Les Nanas, Le Golem, Le Jardin des Tarots et l’étroite collaboration avec Jean Tinguely qui aboutira à des œuvres communes. Toutes ces étapes, tous ces moments essentiels sont retracés avec précision par Caroline Deyns. Elle avance de façon chronologique en mêlant passages romanesques et entretiens fictifs avec de nombreuses personnes qui ont connu Niki de Saint Phalle. Ce peut être le forain rencontré sur un stand de tirs aux ballons, à qui elle demande de venir impasse Ronsin avec sa carabine et qui se retrouvera aux premières loges lors du tir inaugural. Ou le psychiatre qui la soigna à l’hôpital de Nice. Ou encore l’artiste plasticienne Eva Aeppli, l’ex-femme de Tinguely. Ou la boulangère de Soisy-sur-École où le couple vécut et se maria. Ces différents témoignages forment une mosaïque criante de vérité. Plusieurs voix se succèdent pour dire la femme et l’artiste. S’y ajoutent archives de l’INA et citations.

Trencadis, un mot catalan qui désigne une matière fragile, aisément cassable, mais aussi un style particulier de mosaïque réalisée à base d’éclats de céramique, est un roman d’une grande ampleur. Si Niki de Saint Phalle y circule avec tant de constance, d’agilité et de légèreté, elle le doit à Caroline Deyns, à ses recherches savamment agencées, à son empathie qui emporte, à son écriture rythmée et soutenue et à la palette d’émotions qu’elle parvient à transmettre avec fougue..

Caroline Deyns : Trencadis,  Quidam éditeur

 

Pages

« 52 pages tentent d’articuler la perception immédiate d’une image avec celle d’une musique ». La démarche est ambitieuse. Philippe Jaffeux s’y attelle en s’ouvrant à de nombreuses musiques, anciennes, traditionnelles ou modernes, s’arrêtant momentanément sur un instrument, un groupe, un interprète, un compositeur. Chaque écoute suggère une partition originale où l’aspect visuel et textuel de la page revêt une importance primordiale. C’est la porte d’entrée. Celle que l’œil découvre avant lecture, juste avant de la pousser pour s’imprégner du texte. Celui-ci est tendu, mené tambour battant, en un rythme qui varie selon la musique évoquée.

 

Ainsi la Surf music :

« Une page amplifiée se noie dans des vagues de mots qui réverbèrent une dimension de la Surf music Une mer rêvée découvre l’espace d’un son intensifié par la sauvagerie d’une rythmique basique La surface d’une page s’adapte à celle d’une plage pour supporter l’adjonction musicale d’une lettre écumante »

ou James Brown :

« L’histoire de l’esclavage s’inscrit dans la mémoire d’une forme libérée par une musique noire Le premier temps d’une rythmique incandescente joue avec la politique d’un corps qui exacerbe une révolte syncopée »

ou encore le flamenco :

« Des lettres sonorisent une approche du flamenco à l’aide d’une page martelée par des coups de talons Des battements de pieds arment une vibration analphabète pour marquer le tempo d’une image convulsive Le cri d’une forme festive exprime le réveil d’une terre qui traduit la profondeur d’un bruit »

Ces extraits ne peuvent, à eux seuls, rendre compte de la teneur du livre. La mise en page de chaque texte, sa typo, ses variations de couleurs (noire et blanche), sa géométrie, son graphisme, et d’autres détails encore, s’avèrent essentiels. Des barrières tombent. La poésie devient œuvre plastique et création sonore. Ce n’est pas par hasard que ces 52 textes ont été exposés, à raison d’une page par semaine, en format affiche, durant un an dans une galerie (Les Frangines à Toulon). Toutes les pages se retrouvent, par ailleurs, réunies en couverture.

Le livre de Philippe Jaffeux vibre intensément. On le manipule fréquemment. On le tourne, le retourne. Il s’ouvre aux vents d’ailleurs et sait garder la note. Son souffle est ample. Son écriture, intuitive et d’une belle densité, fait bruisser les sons. Elle est portée par une fougue régénérante.

 Philippe Jaffeux : Pages, éditions Plaine page.

Sophie ou la vie élastique

Un personnage littéraire peut tout à fait s’échapper d’un livre, garder sa fraîcheur initiale, voire même se régénérer, et trouver place dans un nouvel ouvrage, sous une autre plume, en s’y sentant comme chez lui. Il faut pour cela que celle ou celui qui le reçoit à sa table d’écriture respecte sa personnalité, son tempérament, sa façon d’être et de réagir. C’est ainsi que réapparaît aujourd’hui Sophie, la fillette vive créée par la Comtesse de Ségur en 1858. Quatre ans après s’être rappelée à nous grâce à Christophe Honoré et à son film Les Malheurs de Sophie, la voici qui s’offre une grande et belle incursion en poésie grâce à Ariane Dreyfus.

« Parfois un personnage vient se heurter à nous,
qui sommes déjà en morceaux.

Où poser le pied quand de grands blocs se détachent ? »

À cette question, comme à beaucoup d’autres, Sophie répond en acceptant l’obstacle, en le contournant et en poursuivant sa route. Elle entre délicatement dans le livre et se met à bouger, à rêver, à penser, à inventer. Dès lors, la narratrice n’a d’autre choix que de la suivre. Dans le parc, au bord de l’eau, dans sa chambre ou dans ses jeux et découvertes champêtres, là où les animaux tiennent autant de place que les fruits rouges (cerises, groseilles) qui l’attirent particulièrement.

« La cerise qui est là
Elle voit des fibres comme des veines
Roses dans le rouge clair

Sophie met ses ongles
Pour desserrer ce qui tient au noyau
Pendant que ça coule sur ses doigts
Doucement lui vient une idée
Qu’elle ne savait pas

Ça peut faire des yeux »

Et les yeux, justement, Sophie a l’habitude de les sonder pour y détecter tendresse, bienveillance, colère, frayeur ou stupeur. Elle consulte ceux du chien pour savoir s’il « veut bien dans ses yeux », ceux de sa poupée, qui a fondu au soleil où elle l’avait mise à bronzer, ou encore ceux, inexpressifs, du lion en pierre et ceux de l’écureuil sans vie qui ne peut plus les fermer. Tout l’intéresse tandis que tout autour la mort fait bien plus que rôder. Elle emporte ceux qui lui chers. La poupée, le cheval, l’écureuil, les bébés hérissons et, bientôt, sa mère, Madame de Réan, qui chavire dans la mer.

« Dans une vieille cape couleur de terre perdue
Sophie se laisse transporter à travers l’hiver

Plus de berceuse pour se poser sur elle
Maman est un mot qui a trop voyagé

Maintenant elle est obligée
De dire Maman à Madame Fichini »

Ces disparitions n’entament pas son goût de vivre. Sophie s’ouvre un chemin de traverse. Elle réfléchit, touche, découvre. Elle s’initie aux aléas plus ou moins cruels de l’existence et surmonte les épreuves. Elle s’invente un autre monde qui, jouxtant celui des adultes, est plus apaisant, plus volage, plus espiègle, plus sauvage. C’est lui qui nourrit sa sensibilité, ses émotions et son imagination.

« Je sais ce que j’ai vécu
et que je vivrai encore »

Ariane Dreyfus insuffle une douceur emplie d’une revigorante fraîcheur à ce portrait en mouvement. Elle reconstitue avec sensibilité et délicatesse la personnalité d’une Sophie intemporelle dont la présence attachante se glisse avec bonheur dans une écriture poétique avec laquelle elle ne peut que se sentir en harmonie.

 Ariane Dreyfus : Sophie ou la vie élastique, Le Castor Astral.

La justification de l'abbé Lemire

Le poète jardinier Lucien Suel – qui possède un champ d’investigation bien plus large – a d’illustres prédécesseurs. À commencer par l’abbé Lemire (1853-1928), le fondateur des jardins ouvriers. C’est son parcours hors normes que ce long poème retrace. Il est écrit en vers justifié et chacun des 42 épisodes qui le compose tient en une page de 24 tercets disposés sur deux colonnes. Cela crée un aspect visuel qui rappelle l’intérieur d’une église (les rangées de chaises situées de part et d’autre de l’allée centrale) mais aussi l’agencement d’un jardin avec ses parcelles de légumes bien délimitées. L’auteur – qui s’impose une autre contrainte : chaque vers doit contenir 22 signes – entend ainsi mettre en adéquation la forme et le fond. C’est dans ce cadre précis qu’il fait entrer la vie extrêmement riche de l’abbé Lemire. 

Ces différentes contraintes ne brident en rien son appétit créatif. Elles semblent plutôt le stimuler. Il met ses pas dans ceux de l’abbé. Suit son ombre le long des chemins boueux. Parcourt les Flandres en sa compagnie. Entre dans les fermes, dans les maisons et dans les églises. À ses côtés, il bêche, plante, sème, sarcle, bine, récolte. Il assiste à l’arrivée du prêtre à Hazebrouck en 1878. Le regarde qui salue à genoux le vieux Saint-Eloi, le patron de la paroisse. Le voit très vite entrer en politique, devenir député du Nord et bientôt maire de la ville. Écoute ses discours à l’assemblée. L’entend défendre les pauvres, les ouvriers, les mineurs, les paysans, se prononcer pour que chacun d’entre eux possède son lopin de terre, défendre la séparation de l’église et de l’état, subir les griefs et les sanctions de sa hiérarchie. Il ne le perd jamais de vue. Le montre au chevet des blessés de 1914-1918, déambulant dans les rues sombres d’une ville dévastée. Parfois Suel restitue quelques paroles de l’ecclésiastique long et sec qui ne ménage pas sa santé, qui se déplace de terril en terril ou de champs de betteraves en champs de mines avec son chien Mirza sur les talons et qui finira, à force de se donner ainsi sans compter, par attraper la mort.

Le corps énergique de l’abbé Lemire et la formidable force intérieure qui l’anime s’unissent pour que s’ouvre cette route singulière que Lucien Suel pave mètre par mètre. Il accorde ses mots, ses vers, ses tercets au rythme de ses pas, pose des centaines de jalons et invite le lecteur à partager un périple haletant, pris dans les soubresauts de l’histoire, enjambant deux siècles en compagnie d’un homme discret et résolu qui aura passé sa vie au service des autres.

La justification de l’abbé Lemire fut d’abord publié partiellement, par épisodes, dans la revue Le Jardin Ouvrier d’Ivar Ch’vavar entre 1995 et 1997 puis intégralement par les éditions Mihàly en1998.

 Lucien Suel : La justification de l’abbé Lemire, éditions Faï fioc.

Déploiement

Petr Král est décédé le 17 juin à Prague, ville où il était né en 1941. Membre du mouvement surréaliste tchèque, il quitta son pays natal en 1968, au moment du « Printemps de Prague », pour s’exiler à Paris, où il vécut jusqu’à 2006. Il a beaucoup écrit en langue française. On lui doit, outre ses récits et ses essais, plusieurs recueils de poèmes, notamment Sentiment d’antichambre dans un café d’Aix (POL, 1991), La vie privée (Belin, 1998), Pour l’ange (Obsidiane, 2007), Ce qui s’est passé (Le Réalgar, 2017). Sa voix, reconnaissable entre toutes, s’est rapidement imposée comme l’une des plus singulières des dernières décennies.

Au printemps, paraissait Déploiement, livre idéal pour se familiariser avec sa démarche poétique. Celui qui se disait volontiers « piéton métaphysique », (Alain Roussel, l’un de ses proches compagnons de route, le rappelle en quatrième de couverture) arpente la ville jusque dans ses recoins. Son regard est perçant. De nombreux détails l’attirent qui lui permettent d’associer ce qu’il voit aux sensations innées qu’il ressent instantanément. Il n’en faut pas plus pour que les mots s’emboîtent. Pour que le surréel s’en mêle. Pour que les images foisonnent.

« Midi Le centre de la ville est un steak chaud et saignant
fendu par le couteau d’un convive
Un autre est gagné par une pensée encore floue
elle virevolte et monte dans sa chair le fait danser
comme un derviche tourneur
Mon front à présent est fait du bois
de la table où il s’appuie »

Il se laisse surprendre par les étrangetés du quotidien. Celui-ci regorge de faits, de reliefs, d’objets apparemment anodins qui méritent plus qu’un regard désinvolte puisque ce sont eux qui éclairent et nourrissent son parcours de marcheur. Il s’arrête fréquemment. Une statue, un monument peuvent servir de révélateur et générer une image issue de son subconscient. Il saisit une scène parmi d’autres. Repère l’improbable et l’étonnant là où d’autres ne verraient que de l’ordinaire. Il croise d’innombrables promeneurs de chiens. Parle de ses dents neuves. S’assoit en terrasse et s’offre une Pilsen, un en-cas ou une métaphore culinaire. Qu’il déguste en y pressant un zeste de vision intérieure.

« Le jaune d’un œuf nous regarde du fond de sa coque
comme un Indien de sa réserve saluons-le au moins
avant de l’avaler »

Son texte – où nul point n’apparaît – est en mouvement. Souvent conjugué au présent, il lui faut un certain temps, une nécessaire maturation, avant de prendre forme. Il naît dans un bar, dans un hall de gare, dans une rame de métro ou dans un tramway, dans un parc, lors d’une fête ou tout simplement au hasard des rues, toujours dans cet univers urbain qu’il affectionne.

« J’achève de manger une salade de poissons
sans cesser d’écrire même la barquette vide fait désormais partie du poème
qu’on soit d’accord ou pas Moi-même inclus bien sûr
mais à présent pour changer j’ai l’impression
d’avoir à la place d’une dent un morceau de céleri
ou de betterave transparente
Allées et locomotives yoles composent le paysage
Postes socquettes et cistes ne forment que l’ultime vers »

C’est un monde parallèle, celui qui échappe au terre-à-terre, celui qui remue dans les angles morts, derrière les portes cochères, entre des volets entrouverts ou dans les interstices des stores ajourés, qu’explore Petr Král. Il y détecte des présences concrètes et infimes qui égaient ses pérégrinations dans la ville. Il sait, par expérience, que la surprise se trouve dans la rue. Et qu’il ne pourra s’en délecter que s’il parvient à mettre, au préalable, son être tout entier en état d’alerte.

 Petr Král : Déploiement, Éditions Lurlure.

 

Élégie sur une radiographie de mon crâne

Parmi ceux que l’on nommait les poètes du souterrain, à Saint-Pétersbourg, dans les années 1970, Elena Schwarz occupait une place de choix. Ses amis (Elena Ignatova, Viktor Krivouline, Oleg Okhapkine, Sergueï Stratanovski et tant d’autres) la considéraient comme "la plus talentueuse" du groupe. Elle se donnait entièrement à la poésie. Elle la vivait, s’en imprégnait constamment et s’y est attelée dès l’adolescence.

« Dans la poésie comme dans une isba au cœur de la forêt le voyageur doit trouver tous les objets de première nécessité : allumettes, pain, sel, hache, un puits pas trop loin. J’ai vite fouillé dans mes vers et j’y ai trouvé tout cela », écrit-elle en 1996 à propos des caractéristiques de ses poèmes.

Pendant des années, son œuvre, aujourd’hui unanimement reconnue comme l’une des plus importantes de la poésie russe de la seconde moitié du vingtième siècle, était impubliable dans le circuit éditorial soviétique et ne paraissait que dans des revues clandestines. Elle ne sort de l’espace réduit du samizdat que vers le milieu des années 1980, d’abord à l’étranger puis, un peu plus tard, en Russie où, à partir de 1995, les parutions de ses poèmes, proses et journaux se succèdent.

Son parcours est minutieusement reconstitué par Hélène Henry, qui la connaissait et à qui l’on doit la traduction de ce choix de poèmes. Ils sont disposés dans l’ordre établi par Elena Schwarz quand elle a conçu le premier volume de ses œuvres complètes. On y découvre des textes denses, lyriques, parfois baroques, élégiaques, empreints de spiritualité et dotés d’une verve théâtrale où on la voit évoluer sur le fil, entre la vie et la mort, entre ciel gris et rues froides, entre l’oiseau et la branche, entre le feu et l’eau, dans une ville, Saint-Pétersbourg, qu’elle explore jour et nuit.

« Le défunt peuple de Saint-Pétersbourg
Neige à petits flocons parmi les vivants,
S’engouffre dans les filets en pêche nombreuse
Tout en haut de tes ruelles.
Le désastre ici a passé toute mesure :
Me voici marchant au fond de l’eau,
Et à travers mes côtes se faufilent,
Tels des alevins : cochers et
Cousettes, mouchards, concierges.
Ils m’ont toute dévorée, percée,
Comme un tamis tiède aux mailles fines. »

Son poème bouge en permanence. La force du vers – qu’elle défendait ardemment – y est importante. Celui-ci doit être construit et posséder assez de souplesse pour s’intégrer aux autres de façon à participer à une architecture apte à se renouveler de poème en poème. Chaque texte est une aventure. Avec ses inconnues, ses imprévus, son rythme, ses scansions, ses ruptures de ton. Elle se réinvente, se déplace, se dote d’identités multiples et fragmentées.

« J’ai été une poétesse romaine,
Une renarde chinoise,
On ne sait quel poète estonien,
Une nonne insensée,
J’ai été le vide, le souffle de la nuit,
L’amante de l’un, l’amie d’un autre,
Me voici devenue tison
Tison qui parle
Et danse sur sa queue
Comme un serpent. »

Ses thèmes sont nombreux. Ce sont l’eau, le feu, la solitude, Saint-Pétersbourg, la Fontanka (le bras de la Neva qui traverse la ville), les métamorphoses étonnantes, les animaux familiers, les scènes et personnages mythologiques, le théâtre vivant dans ou hors les murs. Ils s’accordent au temps présent et se déploient grâce à un imaginaire très habité. Par sa spiritualité, son environnement immédiat, ses rêves, ses doutes, ses souffrances et les imprévisibles soubresauts de sa vie intérieure. Elle puise dans sa grande culture et dans sa vaste connaissance de la poésie russe (et étrangère) pour donner toujours plus d’allant, de teneur, de richesse à ses poèmes.

« Le matin. Entrer toute molle dans la cuisine, -
Une moitié de pomme, pas de pain,
Sur la table le Khlebnikov noir,
C’est déjà ça.
Il faut le manger, les enfants,
Le pain noir deviendra vodka violette,
La tête dans le noir respirera vermeille,
Et vous parlerez en langues. »

Née en 1948, Elena Schwarz est décédée en 2010. Si quelques uns de ses poèmes ont précédemment été traduits en français, publiés dans la Revue des Belles Lettres et dans la petite Bibliothèque Russe des éditions Alidades, il manquait cependant un volume conséquent pour permettre de la lire plus longuement. C’est désormais chose faite, grâce à ce choix de poèmes (écrits entre 1972 et 2010) qui avoisine les 180 pages.

Elena Schwarz : Élégie sur une radiographie de mon crâne, poèmes traduits du russe et présentés par Hélène Henry, éditions Les Hauts-Fonds.

Le coucou chante contre mon coeur

Invité, en compagnie d’Alain Roussel, dans le jardin de la Villa Beauséjour, Maison de la poésie de Rennes, le 17 juin 2017, Julien Bosc lit, en cet après-midi ensoleillé, des extraits d’un ensemble inédit, Le coucou chante contre mon cœur. Sa voix est claire et le bruit du vent dans le micro à peine perceptible. Seuls quelques oiseaux, nichés dans le cèdre au-dessus de la scène, poursuivent leurs échanges. Le public, installé en demi-cercle face au lecteur, est très vite happé par les mots et le souffle ample, modulé tel un chant, de celui qui le transporte loin du canal qui coule à proximité.

« N’avez-vous jamais vu ces vagues qui touchent le ciel ?
Ces rouleaux d’écume qui font naître les anges ?
Ces multiples couleurs d’un ciel bleu à l’autre en passant par des verts, des noirs, des gris ?
Ces voix graves aiguës venus de qui sait où ?
Ces chants d’un cœur qui conjurent l’impensable ?
Ces bruits de tous les diables ?
Le fin filet de voix de la tempête puis le silence immense ?
Ne les avez-vous entendus ?

Moi si
c’est pourquoi je chante
Sans rien inventer
Faudrait sinon de l’imagination
Ah bienheureux tous ceux qui la possèdent
Je la leur laisse »

Son poème se déploie par paliers. Il est remarquablement construit. Il porte en lui ce qu’il a vu, vécu, collecté, senti, ressenti. C’est ce texte, qui avoisine les quatre-vingts pages, qui est aujourd’hui publié par les éditions Le Réalgar. Mais sans la présence de Julien, décédé fin septembre 2018, pour en accompagner la sortie.

Ceux qui l’ont entendu lire se remémoreront le son et le rythme de sa voix. Les autres n’auront aucune difficulté à adapter leur respiration à celle qui émane de ce chant, de cette épopée traversée par la parole – une et multiple – de générations de défunts. C’est elle qui résonne en permanence. Elle vient de loin. D’époques diverses et de tous les continents. Ce qu’elle dit touche à ce terrible constat qui montre que des hommes, guidés par "leur morgue du différent leur cruauté ou leur lâcheté", en certaines périodes de l’histoire, s’assemblent et tuent. C’est cela que le poète énonce et dénonce.

« L’ivresse du pouvoir
Le dédain de la parole donnée
La compromission des maîtres
Le mépris vis à vis des plus pauvres
L’insanité des mieux pourvus
Les noyés dans l’indifférence
La déportation
Les camps
La mer cimetière
Que regretterais-je ? »

Ce sont les voix des victimes réunies qui font tenir la sienne. Pour dire les heurts, malheurs, exodes, rejets et multiples persécutions passées et actuelles qu’il ressent jusque dans son corps. Il sait ce qu’il en coûte de s’écorcher ainsi, d’injecter tant de douleur et d’injustice en soi, mais ne peut procéder autrement. Il lui faut transmettre. C’est la rude besogne qui lui incombe. "Pour qu’aucun des bourreaux ne puisse crier victoire". Cela passe par des scènes à décrire et à reconstituer. Par des retours sur l’innommable sans jamais s’épancher. Par des mémoires à revisiter et à honorer. Par des moments de grâce aussi, qui surviennent au plus fort de la détresse et de l’abandon, qui ne viennent pas des hommes mais de la présence bienveillante des oiseaux.

« Le geai des chênes s’est fait une raison et dort contre ma joue
Si je prends froid les hirondelles virevoltent autour de mon visage
L’évente évente tant que la fièvre n’est tombée
Si la mélancolie survient le coucou chante contre mon cœur
Si lui est dans la peine je le berce et console en attendant qu’il s’apaise
Ce que je dois à tous ?
La fraternité que le monde a perdue
La tendresse sans forcément demande immédiate de retour
N’oubliant pas ce qu’eux seuls savent offrir :
Une multitude de couleurs afin de réjouir l’âme et déchirer la nuit »

Il faut lire, entendre, saisir, écouter cette voix qui vibre en ne lâchant rien. Son chant est intemporel. Il porte loin. Se joue des frontières et s’adapte aisément à la transmission orale. C’est celui d’un homme humble et déterminé. Qui se donne tout entier.

 Julien Bosc : Le coucou chante contre mon cœur, postface de Jean-Claude Leroy, éditions Le Réalgar.

On peut faire plus ample connaissance et poursuivre la route avec Julien Bosc en se rendant sur le site Tiens, etc.

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Une porte après l'autre après l'autre

En trois suites de poèmes brefs, conçues comme autant de portes qui s’entrouvrent pour laisser à nouveau entrer la lumière dans une vie qui en fut un temps privée, Pierre Dhainaut évoque à sa manière, avec la discrétion qui est la sienne, l’accident de santé qui l’a récemment précipité au bord du vide et ce qui s’en est suivi. Le cœur a lâché. Et a dû être réparer. Avec ce que cela implique pour l’ensemble du corps. Qui ne peut qu’en être plus ou moins durement affecté.

« Beaucoup de neige
en la mémoire,
les paumes
désertes,
le front brûlant.

Personne
au-dehors,
au-dedans,
puis de nouveau
dehors. »

Il revient sur ces moments passés, " à la merci du cœur ", dans un espace blanc et restreint, en notant que la peur s’était évaporée, que le souffle manquait mais que la respiration cherchait à pénétrer dans cet « océan / sous le masque à oxygène ».

La deuxième partie, nommée " verticales d’instants ", se présente tels des rais de lumière qui épousent la verticalité de la page et qui l’aident à redécouvrir ce qui l’entoure. Il se tient à l’écoute des choses simples, des bruits du quotidien, des odeurs, des regards et les reçoit avec d’autant plus de plaisir qu’il a failli ne jamais plus goûter à ces offrandes naturelles.

« Aimer
le mot
poussière
jusqu’à
l’offrir
de la voix
au vent
d’ouest.

Ne rien
ajouter,
ne rien
effacer,
la buée
seule
découvre
une route. »

Cette simplicité en forme d’évidence, où sagesse et humilité sont de mise, on la découvre, tout aussi clairvoyante, dans la troisième séquence du recueil, ce " lexique retrouvé " qui s’apparente à une réappropriation des mots. C’est une rééducation singulière. Tous ont une odeur, une couleur, un passé, une charge émotionnelle, un physique particulier et un attrait différent. Le poète Pierre Dhainaut les côtoie depuis longtemps, sans doute bien avant la parution de son premier livre, Le poème commencé (Mercure de France, 1969). C’est donc un long compagnonnage qui a été brusquement interrompu et le rabibochage ne peut s’effectuer qu’avec lenteur. Mot à mot. Poème après poème. Peu à peu, les affinités réapparaissent tandis que le naturel reprend son cours.

« Émouvoir les pierres,
en ramasser une,
soigneusement
y inscrire
le nom "pierre". »

Il se tient, pour finir, au plus près des éléments. Debout, en vie au milieu des autres. Heureux d’être toujours présent au monde. Et de poursuivre sa route.

« Nous publierions un poème
comme on plante un arbre

sur la berge d’un fleuve, nous aurions plusieurs vies

pour l’accomplir, toucher terre
dans l’élan, incarner, rayonner,
continuer...

Pierre Dhainaut : Une porte après l’autre après l’autre,éditions Faï fioc.

Claude Beausoleil

« Je suis un voyageur que le langage invente »

 Claude Beausoleil, Grand Hôtel des étrangers,

 Les Écrits des Forges / Le Temps des cerises, 1988

Victime d'un cancer foudroyant, le poète Claude Beausoleil est décédé le 24 juillet à Montréal, ville où il était né en 1948. C'est l'une des voix les plus reconnues de la poésie québecoise contemporaine qui disparaît. L'homme était chaleureux, toujours disponible, doté d'une incroyable énergie. Il ne s'arrêtait jamais. Toujours en mouvement, menant plusieurs projets de front, il écrivait beaucoup, se déplaçait tout autant et œuvrait pour donner la parole aux autres, grâce, notamment, à la revue Lèvres urbaines qu'il a fondée en 1983. Érudit et passionné, il s'aventurait là où il sentait la vie vibrer, dans les rues animées des villes cosmopolites, dans la prose effrénée et fascinante de Jack Kerouac, dans les méandres de la poésie mexicaine, dans la voix et le phrasé si particulier de Billie Holiday et dans de nombreux autres territoires qu'il arpentait de long en large.

C'est par son livre D'autres sourires de stars (Le Castor Astral) que je l'ai découvert en 1984. Ce fut un vrai coup de cœur. Une belle surprise. Son lyrisme chaud, entrecoupé d'évidences et de brusques moments de panique m'ouvrait à une écriture que je n'avais jamais rencontré auparavant. Il semblait traverser de grands espaces urbains, roulant vite, vitres ouvertes, sur un axe Montréal-Hollywood. Le tempo de son poème était saccadé. Il s'en servait pour dérouler une sorte de journal improvisé dans lequel Marilyn Monroe réapparaissait en pleine lumière, entre deux pannes électriques. Nul ne le savait, mais lui en était sûr. Depuis 1962, « elle écrivait en secret des scénarios parallèles dans le cabinet particulier de Fédor Dostoïevski ». 

Ensuite, de nombreux autres livres ont suivi, en France chez le même éditeur et surtout au Québec aux éditions Écrits des Forges. Leurs titres sont on ne peut plus évocateurs : Il y a des nuits que nous habitons tous, Grand Hôtel des étrangers, La ville aux yeux d'hiver, Rue du jour, Le chant du voyageur, Black Billie, Amérikerouac... Tous sont traversés par une multitude de visions. Tous incitent au voyage ou à la flânerie, aux longues déambulations dans les rues, ruelles, venelles ou ailleurs, partout où les regards, les silhouettes qui s'effilent, les façades et leurs multiples fenêtres gardeuses de secrets, les enseignes lumineuses, les reflets des phares de voitures au ras du bitume lui parlent et l'invitent à noter ces instantanés de vies  en y gravant ses vers, leur sonorité, leur lyrisme, leur densité et leur rythme.

J'ai eu, pour ma part, plaisir à le rencontrer çà et là, notamment place Saint-Sulpice, lors du Marché de la poésie, à côtoyer un être d'une extrême gentillesse et à le publier dans la revue Foldaan ainsi que dans la collection Wigwam où il m'avait spontanément offert L'Urgence des mémoires dont est extrait, ci-dessous, le poème Les immeubles de nuit.

                           À Jean-Yves Reuzeau et Patrice Delbourg

« J'ai soif de villes de France et d'Europe et du monde

Venez toutes couler dans ma gorge profonde »

Guillaume Apollinaire

"du pont la ville brille dans la nuit

des immeubles veillent incrédules

enfumés

il y a des réserves lumineuses décuplées

autour d'échafaudages en miroirs

une île récite un chant

la neige l'ensorcelle

vivace Amer esperanto

autour des bars des formes circulent

spectres motorisés illusions machines

le métal en vrac désordonne le réel

d'une ville surgie du froid des voix murmurent

inquiètes leurs accords avec le brouillard

dictent la suite en des graphies informelles

un poème psalmodie le récit

le temps veille tenace

maintenant la douleur envahit le matin

d'abord la tête puis l'absolu

le fleuve bleu acier tranche les rumeurs célestes

par les reflets d'une urgence mnémonique

de passage des poètes s'entêtent librement

mot à mot à créer l'énergie de l'errance

la nuit retrouve les spirales de l'ailleurs"

Claude Beausoleil, poème extrait de L'urgence des mémoires, Wigwam, 2004.

On peut retrouver Claude Beausoleil sur le site de ses éditeurs. Ici Les Écrits des Forges, là Le Castor Astral.

Lire également l'article qui lui a été consacré dans le quotidien québecois Le Devoir, le 27 juillet 2020.

Photo : Édouard Plante-Fréchette

Où sont ceux que ton coeur aime

Gemma Salem est décédée le 20 mai à Vienne, ville dans laquelle elle vivait depuis une trentaine d’années. Elle n’y habitait pas par hasard. Si elle avait quitté Paris, et vendu son appartement, rue Claude Bernard, pour s’y installer, c’était pour être au plus près de Lui. Il. Thomas Bernhard. Pour qui elle éprouvait plus qu’une fascination. Il a bousculé sa vie. La découverte de ses romans l’a longtemps empêchée d’écrire. Elle lui avait adressé une longue missive, de cent-soixante-dix pages (Lettre à l'hermite autrichien, éd. La Table ronde) alors qu’il s’apprêtait à tirer sa révérence. Tout était prêt. Il savait que sa fin était proche et avait décidé qu’il ne fallait plus s’obstiner. Le livre est sorti en librairie la veille de sa mort, le 12 février 1989. Sa disparition ne sera annoncée que quelques jours plus tard, après un enterrement dans la plus stricte intimité puisque seules trois personnes (son demi-frère, sa demi-sœur et le curé) y assistèrent.

« Dans les rues, la couverture bleue lui sautait aux yeux, posée dans des vitrines où il n’y avait que ses livres à Lui, tous blancs. Absurde. Était-elle vraiment Elle ? Elle ne sentait rien, ni tristesse ni fatigue. Elle voulait seulement être seule, en tout cas dehors de chez elle, de son quotidien réfractaire à ce qu’elle vivait intimement. »

C’est à partir de ce moment, de cette disparition, qu’elle a commencé à préparer son départ. Calmement. En douceur. Ne faisant d’abord que de plus ou moins longs séjours à Vienne. Avant de franchir le pas. Et de s’y poser définitivement. C’est ce qu’elle explique dans ce livre au titre très explicite (c’est un vers emprunté à Lamartine) où elle se dévoile par fragments. Elle s’initie à l’autoportrait. Elle fait un point d’étape en se doutant, son corps le lui rappelle rudement, que cela ne se reproduira probablement pas. Elle apprécie la solitude et la liberté. Elle se décrit telle qu’elle est. Sans jamais plonger dans l’introspection. Se méfiant des réseaux littéraires. Allant vers ceux qui l’aident à avancer (Walser, Tchékov, Schubert, Boulganov, etc.). N’hésitant pas à changer de lieu de vie quand une force irrépressible l’y incite

« Voyager, émigrer, tout ça lui était pratiquement congénital. Avant la France, la Suisse et avant la Suisse, une dizaine de pays en Europe et, avant encore, trois pays du Moyen-Orient (une enfance en milieu cosmopolite). Le changement en douceur. La couleur du ciel était différente et alentours il y avait d’autres odeurs, d’autres bruits, un pain différent, un nouveau rythme, une nouvelle église dimanche matin. C’était la vie. On faisait confiance. Maintenant, c’est Vienne. »

Et Vienne, c’est Thomas Bernhard. Dont elle continue de fréquenter l’œuvre. De l’interroger, de la comprendre, d’en mieux cerner les personnages. Elle va d’ailleurs en rencontrer plusieurs et recueillir leurs témoignages. Elle lui consacre de nouveaux livres. Tente de percer ses mystères. S’arrête sur le manque d’air qui a causé sa mort, maladie dont elle souffre également, et sur cette respiration saccadée qui lui est propre et qui irrigue ses textes. Elle se rend régulièrement sur sa tombe au cimetière de Grinzing. C’est la plus fleurie de l’enclos. Il y a toujours une grande gerbe de roses près du rectangle de lierre. Des danke écrits çà et là. D’autres fleurs. Des bouts de papier. L’homme haï par beaucoup était également adulé.

« Il l’avait dit, écrit, réécrit : il tenait à être enterré ici, près de la Tante, son être vital, du fait que sa place y était réservée, mais aussi parce que cette tombe était anonyme, qu’elle ne comportait aucune indication. Je me suis d’ailleurs entendu avec la Tante, pas d’inscription, rien. »

Le demi-frère en décidera autrement. Et Thomas Bernhard n’en saura évidemment rien. Gemma Salem, si. Qui voit dans la plaque apposée sur la sépulture une verrue qui n’aurait pas dû y figurer. Elle le note en deux lignes et poursuit sa route et ses recherches. Dans Vienne et dans les livres. Tandis que ses forces, peu à peu, déclinent. La fin de son récit est prémonitoire. Elle en a conscience. Ne s’en émeut pas. S’en amuse presque. « Jamais, jamais, elle n’aurait cru atteindre les soixante-quinze. »

« Elle est devenue fataliste parce qu’elle a vécu trop longtemps en croyant à ses rêves mais elle reste optimiste, et tout aussi juvénile, disons, quand il s’agit de la mort.
Là, tout se mettra en place, tout deviendra juste, les gens aussi. On fera enfin attention à elle, on lira ses livres, on jouera ses pièces, on dira quelle amie loyale, quelle mère aimante elle a été, et on rira enfin en évoquant ses méchancetés, sa mauvaise foi, ses colères. »

Gemma Salem : Où sont ceux que ton cœur aime, éditions  Arléa.

Holyhood

La découverte est étonnante et déconcertante : les ruines d’une antique cité égyptienne, celle du pharaon Ramsès II, reposent sous les dunes de Guadalupe, au bord de l’océan Pacifique, au nord de Los Angeles.

« Enfouis sous le sable, les vestiges ont sombré dans l’oubli. Seules quelques traces affleurent au sommet des dunes, l’écume, les embruns, les ruines d’un temple égyptien, quelques bas-reliefs aux contours effacés. »

Pour dénouer l’énigme, Alessandro Mercuri, auteur et réalisateur franco-italien, n’a d’autre choix que celui de se muer en enquêteur. Et cela tombe plutôt bien. Il est en effet passionné par les recherches pointilleuses, le quadrillage des territoires qui ne transmettent pas leurs secrets si facilement et les explorations littéraires, historiques, cinématographiques et géographiques. Il a l’occasion de s’y donner à cœur joie. Il le fait en partant de Los Angeles, là où il résidait à l’époque où il entreprend ses premières fouilles. Il logeait « à l’angle de South Serrano Avenue et de San Marino Street, au cœur de Koreatown, le quartier coréen de la Cité des Anges »

« En l’an 2000, Koreatown ressemblait à un ancien décor de film décrépi aux palmiers déplumés. The Ambassador Hotel était au cœur de cet abandon. Édifié en 1921, le palace est l’épicentre des nuits hollywoodiennes des Roaring Twenties, les années folles d’outre-Atlantique. »

Avant d’en venir à la présence de vestiges antiques en cet endroit du monde, il entreprend une visite de la Californie à travers les siècles. Il commence par l’arrivée d’Hernán Cortès (qui pensait avoir découvert une île) et continue en évoquant l’origine du nom, qui aurait à voir avec la reine Calafie et auquel Cervantès, par ricochets romanesques, ne serait pas étranger. Ce qui est assez fascinant chez Alessandro Mercuri, c’est sa faculté à concevoir des récits en forme de poupées gigognes. Ils se déboîtent, s’étendent dans le temps et l’espace et finissent, après avoir suivis leurs cours respectifs par se retrouver et se rassembler. L’œil du cinéaste et son désir d’écrire un documentaire fouillé et regorgeant de surprises ne sont jamais loin. Son livre est constitué d’histoires qui s’enchevêtrent.

Il finit, après de multiples déambulations à Los Angeles et de nombreux tours et détours en Californie, par se rendre à Guadalupe. Il contacte Peter L. Brosnan, le découvreur de la cité perdue, et reconstitue peu à peu l’histoire. Qui est évidemment liée à celle de Hollywood, lieu magique où règne la fiction, celle-ci restant avide de réalité. La réalité ici, qui elle-même mène à la fiction, fut façonnée par Cecil B. DeMille quand il choisit, en 1923, les dunes de Guadalupe pour y planter le décor de la première version des Dix commandements. Le cinéaste avait l’habitude de voir grand et fit, cette fois, flamber les budgets en ne lésinant pas sur les moyens.

« Dans ce vrai faux désert d’Égypte en Californie, le rêve cinématographique de DeMille s’épanouit telle une rose des sables. Une armée de charpentiers s’active à bâtir la Ville turquoise de Ramsès, le plus grand décor de l’histoire du cinéma, un film aux proportions épiques.
Non loin des décors, une deuxième ville est en cours de construction pour accueillir les quelques trois mille acteurs, figurants et quatre mille animaux dont huit cents chevaux, deux cents mules, une centaine de chameaux, de lions et d’éléphants. Mais le chiffre le plus éloquent est celui des participants au scénario du film. La naissance du péplum biblique est titanesque. Pas moins de trente mille personnes collaborent à l’écriture de l’épopée. »

C’est là-bas, au bord du Pacifique, que commence l’exode des Hébreux vers le Terre Promise, tandis que les musiciens jouent la neuvième symphonie de Dvorak et que les figurants juifs orthodoxes marchent, chargés d’émotion. C’est là-bas que la Mer Rouge s’ouvre et que Moïse va recevoir la table des Dix commandements. DeMille est aux manettes. Il crie dans son mégaphone. Veut se conformer à la vraisemblance biblique. La tension est extrême. Et peu à peu Hollywood, le « bois du houx », se métamorphose en Holyhood, la Cité du sacré.

Parvenu sur place, neuf décennies plus tard, Alessandro Mercuri ne trouve nulle trace des décors. La ville a totalement disparu. Les vestiges sont enfouis sous le sable. Seule l’épopée demeure. Elle est racontée (tout comme ses à-côtés) avec humour, passion et intelligence dans ce récit captivant qui prend parfois des allures d’essai se doublant d’une belle invitation au voyage.


 Alessandro Mercuri : Holyhood, vol. I – Guadalupe, California, éditions Art&Fiction .

Ça fait longtemps qu’on s’est jamais connu

S’il est un monde qui reste peu exploré par la littérature, c’est bien celui des garderies. Pierre Terzian y est propulsé un peu par hasard. Marié à une Québecoise, il déménage à Montréal et part en quête d’un travail. C’est ainsi qu’il se retrouve à effectuer des remplacements dans de nombreuses garderies de la ville. Tous les matins, peu après 6 heures, le réveil sonne et Gaëtan, le grand ordonnateur à la voix douce, lui souhaite le bonjour (« Bon matin, Pierre ») et lui indique le lieu où il doit se rendre. Un jour, c’est à Verdun, un quartier populaire de l’île de Montréal, un autre à Pointe Saint-Charles, ou dans Villeray, Rosemont, LaSalle ou ailleurs. Il va y côtoyer les Coccinelles, les Pingouins, les Koalas, les Lucioles, les Écureuils. Tout un monde, celui de la petite enfance, dans lequel il va s’immerger.

« Tous ces enfants de toutes les couleurs s’agglutinent autour d’une table basse, ou autour d’une réplique d’aubergine trouvée par terre, puis se séparent subitement, marchent vite ou battent l’air de leurs bras en tirant la langue, s’agenouillent et se relèvent aussitôt, se poussent sur le tapis, se pointent le visage et se menacent (probablement) de mort. L’espace est saturé. De mouvements. De prises de décision brusques. De chutes, d’esquives. Et, au milieu de ce banc de poissons fous, on distingue une baleine verticale, un diplodocus imperturbable, figé dans le temps : un adulte. »

Il y a là des personnalités bien affirmées. Tels Lulu, l’hyperactif qui redoute l’heure de la sieste, Jacob, l’enfant bavard qui a toujours raison, Zean-Baptiste qui a un cheveu sur la langue et qui est doté d’une inébranlable confiance, Feng, la douce silencieuse et émerveillée, Yaya qui arrive du Kinshasa et qui ne peut s’empêcher de balancer objets, livres et chaises, Svetlana, « la petite Bulgare bleu pastel » et bien d’autres qui s’activent au milieu d’éducateurs parfois un peu inquiets quant à la tournure des événements.

« Chris et Lola font toujours la même chose. Ils s’allongent sous la table et restent étendus de longues minutes sur le flanc. Comme ralentis par une chaleur extrême. Ils poussent de petits cris et relèvent parfois la tête, pour observer l’horizon. Ils se caressent, front contre front, se lèchent les mains, avant de regarder à nouveau dans la même direction.
Plus tard, je leur demande :" À quoi vous jouez ?" Ils me répondent, d’une seule voix : "Aux bébés tigres".

C’est ce monde vif, turbulent, insouciant, joueur, spontané et inventif que l’auteur rend palpable en entremêlant, dans un récit alerte, des séries de portraits rapides, des propos d’enfants saisis au vol (le titre en est un), des scènes nerveuses, des dialogues multilingues et des expressions typiquement québécoises. Le style Terzian est direct et efficace. Il n’est pas metteur en scène pour rien. Il observe, note, transcrit, transmet. Avec finesse, tendresse et bienveillance. Il faut une bonne dose de fraîcheur et une belle énergie pour plonger dans ces lieux invisibles, en pleine période d’austérité, au contact d’enfants issus de milieux plutôt modestes, et pour en saisir la réalité. Il y ajoute son regard extérieur, son apparente désinvolture et son plaisir de se retrouver, durant deux cents jours, au milieu de ces êtres fragiles et fascinants.

Pierre Terzian : Ça fait longtemps qu’on s’est jamais connu, Quidam éditeur.

Quelques banalités au sujet de la démocratie qui tend à atteindre son degré zéro

Il ne faut pas plus de trente pages à Fabrice Caravaca pour bâtir un ensemble particulièrement vif et pertinent. Il le fait en alignant de brefs paragraphes. Tous portent sur un vaste sujet : la démocratie. Il l’observe dans sa lente et irrémédiable approche de son degré zéro. Et ce qu’il voit est noté avec méthode. Quelques extraits suffisent pour transmettre la teneur de son propos :

« La démocratie quand elle atteint son niveau zéro est une farce qui peut faire usage de la force. Plus qu’à son tour.

Pour qu’une démocratie atteigne son niveau zéro le concept de vote utile est utile.

La démocratie qui tend à atteindre son niveau zéro met en place une élite dite parfois intellectuelle qui manie, avec zèle, les euphémismes, qui sait divertir, susciter la peur et bien sûr mentir.

Une démocratie qui tend à atteindre son degré zéro soumet avec son consentement le plus grand nombre.

Le plus grand nombre est très souvent persuadé de vivre véritablement dans une démocratie réelle.

Quand le silence d’une partie du plus grand nombre se rompt les chiens de garde aboient avec zèle. 

De la même façon quand le silence d’une partie du plus grand nombre se rompt les forces du maintien de l’ordre ne se maintiennent plus.

Dans une démocratie qui tend à atteindre son degré zéro celles et ceux qui gouvernent sont aussi des banquiers voire des hommes et des femmes d’affaires. »

Pas de longs discours. Pas d’envolées lyriques. Mais quelques constatations (des « banalités », dit-il) qui sautent aux yeux. Elles touchent au réel et incitent à la réflexion tout en gardant bien présent à l’esprit la citation d’Abraham Lincoln placée en exergue :

« De même que je ne voudrais pas être un esclave, je ne voudrais pas être un maître. Telle est ma conception de la démocratie. »

Fabrice Caravaca : Quelques banalités au sujet de la démocratie qui tend à atteindre son degré zéro, éditions Pli.

Ni

Entre l’extrême sobriété de la couverture et l’énigmatique quatrième se cache un ensemble foisonnant. Un livre dense avec de nombreuses portes d’entrée comme a l’habitude d’en concevoir Dominique Meens. Flâneries, pensées, dialogues, lettres, poèmes et traductions cohabitent et circulent librement, se passant fréquemment le relais. Quant à l’auteur, il se dédouble aisément.

« L’auteur ne sait s’il est lui-même ou Ni, Brahms, Soi-disant, Tadeusz, autrefois Clémence, autre encore si possible. Car il ne sait ce qu’est être lui-même. »

Ni et les siens se retrouvent « au coin bon ». C’est leur quartier général. C’est là que s’écrit, fébrilement, en partant de fragments liés aux promenades, lectures, réflexions, un « roman ha-ha » où les oiseaux ont la part belle. Nombreux sont ceux qui traversent ces pages. Rien d’étonnant quand on connaît la passion que leur voue l’auteur d’Ornithologie du promeneur (en trois volumes chez Allia), de L’Aigle abolie (POL), de L’hirondelle (Comp’Act) ou encore de Mes langues ocelles (POL). Que ce soit à Paris ou sur l’île d’Oléron, les rencontres sont toujours au rendez-vous. Il suffit d’avoir l’œil affûté tout en étant attentif et patient pour les vivre pleinement.

« Le geai passé ce matin sur le toit-terrasse voisin de mon balcon, accompagné d’un autre que j’ai vu trois bonnes minutes plus tard et plus loin, a passé dans l’autre sens, je veux dire qu’alors je le voyais venir du sud, de l’intérieur parisien, quand aujourd’hui du nord de la porte Montmartre. Voilà longtemps que ces manèges d’oiseaux intriguent. On trouve par exemple au manuscrit 24 796 de Hugo, ceci, daté de 1866 : "la fauvette revient le premier avril, le rossignol des murailles le 10 avril, le rouge-queue le 22 avril, le rossignol chanteur le 25 avril, le martinet le 5 mai (il part le 2 août), le coucou le 27 mai. L’hirondelle des rivages le 5 avril, l’hirondelle de fenêtre le 6, l’hirondelle de cheminée le 7". »

Aidé par ses doubles fictifs, qui l’accompagnent au gré des lettres et des dialogues, Dominique Meens suit sa route en faisant en sorte qu’elle ne flirte jamais avec la ligne droite. Il apprécie les zigzags, les chemins de traverse, les retours en arrière, les sentiers buissonniers propices à l’allongement du trajet. On risque de rater l’essentiel si l’on néglige les bas-côtés. Il observe, note, décrit. Ici, l’arrivée féerique d’une dizaine de roitelets mâles illuminant une forêt sombre, là, un cygne descendant vers le pont de la Concorde, là-bas, un cormoran s’envolant au niveau du pont Royal, ailleurs, le chant d’une grive résonant dans les toilettes d’un aéroport européen.

« Deux cigognes remontent au fort vent du nord. Elles volent assez bas, viennent de franchir l’autoroute. Nous sommes très proches de Paris, un vingt-six février. Où vont-elles, pour partir si tôt ? Quel temps fait-il où elles étaient pour leur hivernage, pour qu’elles soient parties si tôt. »

Il consulte régulièrement les livres de ses lointains prédécesseurs. N’a de cesse d’affiner ses connaissances. En traduisant Un glossaire d'oiseaux grecs de D’arcy Wentworth Thompson pour les éditions Corti, il s’est notamment familiarisé avec l’œuvre d’Élien (né vers 170, décédé vers 240 après J.C.,) qui fut grand lecteur de Pline l’ancien et d’Aristote. Il traduit ici de nombreux paragraphes de l’auteur romain qui écrivait en grec et qui s’intéressait (entre autres) aux oiseaux. Ses descriptions sont incomparables. Élien était un observateur avisé qui se documentait. Curieux, flânant, regardant, restant à l’écoute des légendes, il cousait ses phrases avec subtilité. L’ibis égyptien, l’aigle doré, la perdrix de Syrie ou la huppe indienne n’avaient aucun secret pour lui.

« Jamais un faucon ne mangera un cœur, geste propitiatoire peut-être, ou mystérique. Le cadavre d’un homme, qu’un faucon l’aperçoive, privé de sépulture, il le couvrira de terre (…) et ne touchera pas le corps. Il attend, à jeun, avant de boire, si l’homme fait s’emplir le drain d’eau, car il croit qu’à celui-là qui travaille dur, il ferait du tort en détournant pour lui l’eau qui satisferait son besoin ; si plusieurs sont à irriguer, il voit que l’eau coule en abondance, comme une coupe levée à l’amitié à laquelle il aurait part, et boit volontiers. »

Il y a bien d’autres pépites et surprises à découvrir dans Ni. D’autres traductions (telle A une alouette de Shelley), des lettres, des poèmes, six planches de Michael McGriff ainsi qu’une fable radiophonique, La Mouche et le Musicien, (où l’on suit au fil des infos les pérégrinations d’un pilleur de plumes qui sévit pour fournir des appâts de choix aux férus de la pêche à la mouche).

Deux cents pages durant, le guide, le ciseleur de phrases, le virevoltant regardeur d’oiseaux, « l’auteur, dit parfois le promeneur, se r’trouve et fait l’Grec, à peine couvert d’un tissus de laine rêche, ballant par les chemins sa lanterne en plein jour, cherchant l’homme qu’il est. »

Dominique Meens : Ni,éditions Pontcerq.

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Dominique Meens sur le site des éditions POL.

Le Trèfle incarnat

C’est à partir d’une série de neuf dessins offerte par Georges-Henri Morin, intitulée Une journée de Nô, qu’Anne-Marie Beeckman a conçu ses poèmes. Elle y apporte ses mots, son imaginaire, le monde secret qu’elle porte en elle. Celui-ci ne se dévoile que par touches, en un montage subtil où décor et personnages prennent place.

« Nous allons essayer de monter le théâtre où se déroule nos derniers jours.
Laissons là l’hiver, ses choses tristes et dénudées, hormis la belle, qu’il faut deviner sous les fourrures.
Préférons le printemps, le sein qui gonfle et va éclore.
Las, on sait ce qu’apporte le printemps, laissons là les saisons, elles restent pour les prunes. La pluie seule mouillera les manches. Ce seront vestes, oubliées sur les clôtures. »

Elle s’empare du titre voulu par l’artiste et s’inspire du théâtre japonais en faisant alterner, poème après poème, le Nô (drame lyrique) et le Kyôgen (scène comique). Les mots frémissent, s’assemblent, préfèrent la sensation au sens (mais le suggèrent néanmoins) et s’arrangent pour mettre presque naturellement les sens en émoi. Ils détournent subrepticement contes, comptines et maximes. Avec eux, le corps vibre, le désir est en embuscade, les linceuls se déchirent, le ciel s’ouvre, la nuit brille de mille feux follets, « la rhabilleuse » entre en scène, ou « les servantes d’auberge », ou « les montreurs d’insectes », ou « les buveurs de saké ». Chacun, chacune, entre dans le poème qui leur est dédié en y glissant une ombre, un mystère, un savoir-faire et une envie de découvrir un monde caché et pourtant bien vivant, un monde plus rebelle, plus revêche, plus sauvage et irréel, plus rassurant, plus habitable, un monde fragile et minuscule qui ne se donne qu’avec parcimonie.

« Il faut qu’un spectre prenne forme,
sinon la nuit se fige :
toupie de ses hanches,
éteignoir de ses fesses,
grande ombre de ses seins,
gouffre du ventre sur les escargots.

Les dormeurs s’éveillent,
se prennent à partie.
Les poulies sifflent,
les injures fusent,
le palan les emporte.
Et les servantes rient
derrière leurs mains très douces. »

Anne-Marie Beeckman rend visible l’envers du décor. Elle s’aventure hors des sentiers battus. Rencontre des personnages qui viennent de loin. Devient parfois l’un d’entre eux. Trouve les mots justes pour dire l’effervescence, la magie et l’enchantement qu’il y a à cheminer ainsi. Elle saisit les vibrations qui montent et résonnent autour d’elle. Puis elle les transcrit, et c’est alors sa langue qui fuse, s’amuse, s’étonne et vibre, elle aussi, sans jamais se départir de cette inventivité pleine de fraîcheur qui émane de sa poésie.

Anne-Marie Beeckman : Le Trèfle incarnat, poèmes sur des dessins de Georges-Henri Morin, éditions Pierre Mainard.